Це цікаво

Бісероплетіння

Кенія, чоловічі прикраси з бісеру

Бісероплетіння — різновид декоративно-ужиткового мистецтва з використанням перлів — природного чи штучного походження. Має тисячолітню історію. Використовувалося майстрами у Стародавньому Єгипті і державних утвореннях Південої Африки, Індії, в Південній Америці.

Історичні етапи

Історично давно люди використовували різноманітні природні матеріали для виготовлення прикрас. На початку це було яскраво забарвлені «насіння» рослин, квіти та їх бутони, морські та річкові мушлі, різноманітні морські камінчики незвичної форми, також — коштовні і напівкоштовні камені, і нарешті, металеві і скляні намиста.

• Найдавніші намистини, вік яких перевищує 40.000 років, були знайдені американським археологами при розкопках у Кенії (Африка).
• Стародавня Русь вважається царством скляних намист та браслетів, скроневих колець : доля їх серед найдених при розкопках перевищує дві третини. Потім ідуть намиста бурштинові, із сердоліку, кришталю, аметисту, а також із кістки, глини, бронзи, срібла і золота.
• Починаючи з ХІ ст. на Русі одним з найулюбленіших матеріалів для ремесла бісероплетіння були морські та річкові перлини. Їх використовували для оздоблення ікон, жіночого та чоловічого одягу, тіар для священиків.
• Перлина була головним матеріалом для майстринь, які працювали в царських «світлицях», де шився одяг для членів царської родини, вироблялися подарунки для церкви і монастирів.
• Пізніше з цією ж метою почали використовувати бісер. Спочатку ним лише підкреслювали контур малюнка перлових і золотошвейних робіт. Найбільша кількість кольорів бісеру була створена в Західній Європі в XIX ст. Особливо уславилися майстерні по виготовленню бісера та скляруса в Богемії (сучасна Чехія). При реставрації речей з бісеру і зараз часто використовують бісер з скляних майстерень Чехії через досить широкий спектр товарного бісеру.
• Вироби з бісеру прикрасили закладки для книг, гаманці, сумочки, картини, підсвічники, письмове приладдя — все це робилося з індивідуальними смаком. Досить модними були бісерні панно, на яких зображали міські і сільські пейзажі. Дуже часто в таких виробах вишивальниці копіювали роботи видатних художників. Відомі унікальні речі твори декоративно-ужиткового мистецтва в техніці бісероплетіння — наприклад, скатертини.
• Намистини по різному поєднують з основою — шитвом, плетінням, ткацтвом, аплікацією (коли готовий невеликий твір нашивають на тканину іншого характеру. Виробами з бісеру прикрашали також меблі (камінні екрани, стільці, столики). В Російській імперії бісероплетіння мало значне поширення в добу сентименталізму, ампіру, еклектики. Вироби тої доби тяжіють до емблем, гірлянд, зображень квітів і рослинних орнаментів, метеликів, іноді з додатками написів і посвят.

• існувала низка підручників та альбомів зразків для майстринь бісероплетіння. Ці альбоми зразків та стародавні вироби з бісеру увійшли до експозицій багатьох музеїв Європи як характерна риса доби кінця 18 — середини 19 століть.

Мереживо

Ретицелла

Mechelner Tüllspitze

Ірландське мереживо

Угорське плетене гачком мереживо

Мере́живо — декоративні елементи з тканини і ниток. Загальною ознакою всіх видів мережива є отвори різних розмірів між нитками, які утворюють візерунок. Мереживо використовується в оформленні одягу, а також в оформленні інтер'єру у вигляді декоративних панно, скатертей, тюлів, покривал. Мереживо використовується також для прикрашування жіночої нижньої білизни.

Рукодільне мереживо

Рукодільне мереживо розрізняють за технікою виконання (плетене, шите і ін.) і за місцем виробництва.

За технікою виконання мереживо буває[ред. • ред. код]

• плетене на коклюшках
• плетене човником / фріволіте
• шите голкою
• гардангер/шите
• макраме/вузлове
• плетене на спицях
• плетене гачком

Плетене гачком мереживо

Короткий гачок

• звичайне/німецьке
• філейне
• брюгське
• ірландське
• гіпюр (фр. gipour англ. venice lace) (Венеціанське мереживо з опуклим візерунковим малюнком)
• ретіцелла
• на вилці

Довгий гачок

• туніське
• афганське
• вікторіанське

Машинне мереживо

З розвитком технологій люди навчилися виробляти мереживо машинним способом. Але ніщо не замінить справжнього ручного мережива, що несе в собі традиції багатьох поколінь із століття в століття

Техніки і види орігамі

Якщо ви хоч раз склали літачок з паперового листа, можете вважати, що ви склали орігамі.

Це мистецтво прийшло до нас із стародавнього Китаю, і з японської перекладається як «складений папір». З релігійних обрядів і вищих станів це мистецтво вийшло тільки по закінченні другої Світової, і тут же в Америці і Європі з'явилася маса шанувальників орігамі.


Хоча класичне орігамі робиться з квадратного паперового аркуша без застосування ножиць і клею, сучасні різновиди пішли далі, і сьогодні ми маємо чимало некласичних видів, що дозволяють дати простір фантазії.

Крім класичного орігамі, з прямими лініями, існує орігамі мокре, яке ближче пап'є-маше, і кірігамі, і аерогамі, орігамі просте і модульне.

А чи знаєте ви, що вироби з паперу, які кожен з нас складав ще будучи школярем, жабки стрибають і паперові літачки – це також орігамі? Один з видів орігамі, званий аерогамі, доступний навіть новачкові, і в кілька рухів у вас вийде непогано літає літачок.

Ви бажаєте створити виріб складніше, що складається з кількох блоків? Тоді це буде модульне орігамі, в якому виріб складається з безлічі однакових блоків, при цьому без застосування ножиць і клею, згідно з класичними канонами орігамі. А в різновиду орігамі многолистном використовувати однакові модулі не обов'язково.

Якщо ви бажаєте створити складне орігамі, приміром, динозавра або раку, та ще смотрящих як скульптура, реалістичне і об'ємне, спробуйте зібрати конструкцію з розгортки, однією з різновидів діаграм для орігамі. На ній заздалегідь розмічені лінії, і зрозуміло, де робити згинання. Подібним чином роблять самі складні фігури.

Крім того. Для орігамі створена система спеціальних умовних знаків, що дозволяють записати систему складання та згинання.

На відміну від класичних технік, більшу свободу забезпечують інші: просте орігамі, мокре орігамі та кірігамі.

Техніка кірігамі передбачає застосування ножиць, крім того, що папір можна різати на частини.

Мокре орігамі з'явилося близько двох десятиліть тому і дало можливість створювати елементи з плавними лініями, які відрізняються від класичних прямих. У підсумку фігурки виходять набагато виразніше. Можна створити тигра або оленя, досить схожі на справжніх.

А для новачків підійде зовсім вже спрощена некласична різновид – просте орігамі. Подібна техніка застосовує тільки складки долиною і горою. Мінімум таких складок робить таку техніку оптимальною для творчості дітей, а невелике число доступних прийомів змушує включати уяву для отримання бажаного результату.

Макраме. Історія виникнення.

Макраме це найдавніший вид рукоділля, що прийшов до нас крізь товщу століть.

Техніка цього мистецтва полягає в вузликовому плетінні. Саме слово макраме має арабське коріння і означає мереживо або бахрома.

У техніці макраме виготовляють безліч прекрасних речей, за допомогою яких можна прикрасити інтер’єр. Кашпо, абажури, панно, скатертини, серветки, підставки, завіси і багато інших предметів, додадуть декору вишуканість і неповторність. Предмети гардеробу також не залишаться без уваги.

Пояси, сумки, гаманці, кулони, шарфи і шалі, виконані руками, додадуть вашому стилю благородності та витонченості.

Історія виникнення мистецтва макраме, почалася з того моменту як зав’язався найперший вузлик. Наступним етапом розвитку плетіння стають мережі з трав і шерсті тварин. Виготовлення мереж зазнавало різні зміни, древні люди починали від винаходу найпростіших безвузлові мереж, і з часом трансформували її в кручену.

Таке плетіння застосовується і в наш час для плетіння кришок від корзин.

У племенах стародавніх інків була присутня узелковая писемність. Вузли використовувалися для передачі та збереження інформації. Також з їх допомогою вироблялися досить складні, для того часу математичні розрахунки. Китайці використовували вузлики в якості пам’яток.

Жінки північних народів, прикрашали плетеними виробами свої житла і одяг.

За часів Київської Русі близько сорока видів ремесел мали саме безпосереднє відношення до вузлоплетінню: канатник, кнутнік, Ременник, шахрай, броздочнік т.п.

За допомогою узору, так називалося декоративне плетіння на Русі, виготовлялися головні убори, легка взуття, сумки для стріл, упряж для коней і багато іншого.

З часом плетіння вузлів на Русі прирівняли до язичницьких обрядів. Цей вид рукоділля придбав статус злочинного, чаклунського. Вузли-амулети перебували під суворою забороною.

У Римі теж не обійшлося без заборонних правил, так сенаторам було заборонено використовувати в одязі які не-будь зав’язки. Але всі ці табу, мали недовге існування.

У Стародавній Греції дуже любили влаштовувати різні змагання під час народних гулянь. Для того щоб проявити кмітливість і спритність, жителі Греції зав’язували і розв’язували дуже складний вузол, відомий зараз як турецький. Деякі історики вважають, що це і є той самий легендарний гордіїв вузол, який, не зумівши розплутати, Олександр Македонський розрубав мечем, щоб дістати, обіцяну за легендою, владу над Азією.

Але найбільш значущу лепту, приблизно в IX столітті внесли моряки вітрильного флоту. В силу своєї професії вони повинні вміти, як раніше, так і сьогодні, зав’язувати різноманітні вузли. Відомо не менше чотирьох тисяч морських вузлів. У вільний час, обов’язок переросла в розвагу, і вони обмотували все підряд: фляги, пляшки, рукоятки ножів і т.п.

У XIV столітті, жителі Китаю, Іспанії та Індії перейняли від мореплавців, що борознили простори океанів і морів, техніку морського плетіння. Більшість морських вузлів використовується і сьогодні в техніці макраме завдяки своїй красі і фортеці.

Особливу популярність нове захоплення набуло в Італії. Були відкриті школи, в яких діти навчалися мистецтву плетіння. Майстри виготовляли чудові мережива, якими прикрашали одяг, балдахіни, покривала, фіранки.

З Італії в XVII столітті, прабатько макраме продовжив свій шлях по країнах Північної Америки та Північної Європи. Найбільше визнання нове віяння моди отримало в Англії. Вузликове мереживо із золотих ниток було неодмінним атрибутом одягу духовенства і членів королівської сім’ї.

Звичне для нашого слуху назву макраме, це вид рукоділля отримав лише в XIX столітті.

Для плетіння того часу використовувалися шовкові нитки і шнурки, шерсть, золота тяганина.

Майстри макраме стали поєднують плетені вироби з різними декоративними елементами, наприклад, бурштином, намистинами, перлами, деревом.

В даний час, особливий модний шик придбали речі, зроблені своїми руками. Мистецтво макраме переживає нову хвилю визнання, безліч людей зробили його своїм хобі.

З’явилися справжні майстри своєї справи, які перетворили модне захоплення у професійну діяльність.

Макраме завжди буде користуватися популярністю і це досить легко пояснити. Навчитися вузлоплетінню може кожен, хто має хоч трохи терпіння і посидючості. Та й особливих інструментів в цьому виді рукоділля не потрібно: маленька подушечка і шпильки.

Матеріалом послужить будь вподобана нитка, тасьма, мотузка.

Вироби виконані в техніці макраме, нікого не залишать байдужим своєю витонченістю і красою, а легкість виконання спонукне  вас на створення своїми руками прекрасних і неповторних речей. І хтозна, може і вам сподобається нове захоплення, розлучитися з яким ви не зможете ніколи.

 Поняття хореографії як мистецтва

Хореографічне мистецтво - це дуже об'ємне поняття, яке містить балет, мистецтво народного сучасного танцю. 
Хореографія сформулювала цілу систему специфічних засобів і прийомів, свій художньо виразну мову, за допомогою чого створюється хореографічний образ, який виникає з музично-ритмічних рухів. Він має умовно узагальнений характер і розкриває внутрішній стан і духовний світ людини. Основу хореографічного образу складає рух, який безпосередньо пов'язано з ритмом. 
Специфічною особливістю мистецтва хореографії є ​​її безпосередній зв'язок з музикою, яка допомагає розкрити хореографічний образ у всій яскравості і повноті, впливає на його темпорітмічное побудова. 
При аналізі музичного мистецтва йшла мова про існування важливою зв'язку композитор - виконавець. У хореографії цей зв'язок значно ускладнюється, адже між композитором і виконавцем з'являється постать хореографа. Саме цей «потрійний союз» і робить хореографію видом мистецтва. 
Перші свідчення про зародження мистецтва хореографії відсилають нас до глибокої давнини, коли в доісторичні добу танець виконував певну ритуальну функцію. Ця тенденція мала своє продовження і розвиток у культурах Стародавніх Єгипту і Греції, тоді як у Стародавньому Римі танець вже починає сприйматися як видовище. 
Середньовіччя накладає на хореографічне мистецтво табу - заборону, хоча народний танець, незважаючи на будь-які перешкоди, продовжує свій розвиток (ця ситуація певною мірою стала основою для відомого роману В. Гюго «Собор Паризької Богоматері»). 
Процес відновлення мистецтва хореографії пов'язаний з часом Відродження, але справжній його розвій починається у XVII ст., Коли у Франції була створена Королівська академія танцю (1661). 
Новерр Жан Жорж (1727-1810) - французький хореограф, реформатор західноєвропейського балету. Його теоретичні і художні пошуки були пов'язані з розробкою двох важливих складових балетного мистецтва: феномену ритму і концепції природних даних танцівника. Згідно з позицією Ж.Ж. Новерра, професійну майстерність виконавця повинна органічно поєднуватися з емоційним началом, що сприятиме процесу створення повноцінного художнього образу. Теоретичні міркування щодо природи і специфіки балетного мистецтва були викладені хореографом на сторінках роботи «Листи про танець». Розвідки Ж.Ж. Новерра у розробці жанрової структури балету мали значний вплив на подальший розвиток хореографічного мистецтва. 
Академією була розроблена основна система класичної хореографії і закладено фундамент балету (від фр. І лат. - Танцюю), який має свою жанрову структуру. 
Хореографія - це своєрідна метатеорія балетного мистецтва, яке поряд з класичним і народно характерним танцем використовує елементи пантоміми тощо. 

                                 

                               2. Становлення мистецтва балету

Становлення і розвиток мистецтва балету пов'язані з культурами Італії, Англії, Австрії та особливо Франції. Саме в цій країні почався процес відокремлення балету від опери і надання балетному мистецтву статусу самостійної галузі хореографії. 
Засновником класичного балетного мистецтва був французький балетмейстер Ж.Ж. Новерр, який відстоював ідею синтезу між танцем і музикою. На думку Новерра, саме синтез зумовлював створення повноцінного хореографічного образу. 
Провідними школами класичного балету на початку XIX ст. стають італійська і французька, які удосконалюють, розвивають на новому рівні основні принципи балету XVII-XVIII ст., ведуть пошуки нових засобів і прийомів, значно ускладнюють техніку стрибка, обертання, і тому подібне. 
Процес розвитку балетного мистецтва XIX ст. мав взаємовпливовий характер. Так, пошуки, які відбувалися у європейській хореографії, стимулювали становлення цього виду мистецтва в Росії, яка згодом приведе до зворотного процесу - впливу мистецтва російського балету на західноєвропейський («Російські сезони» у Парижі). 216 
Плідно працювали в Росії західні балетмейстери Ш. Дидло (1767-1837), який поставив багато різножанрових вистав і виховав таких зірок балетного мистецтва, як А. Істоміна (1799-1848) та Є. Телешова (1804-1857), і А. Сен -Леон (1821-1870). 
Подальший розквіт балету відбувається у другій половині 
XIX - на початку XX ст. і пов'язаний насамперед з ім'ям М. Петіпа (1818-1910), який здійснив новаторські балетні постанови. Всесвітнє визнання Петіпа принесли балети «Спляча красуня» і «Лебедине озеро» (у співавторстві з Л. Івановим), а імена О. Преображенської, М. Кшесинської, П. Гердта увійшли в історію балетного мистецтва. 
Новий етап у розвитку російського балету пов'язаний з іменем О. Горського (1871-1924) - постановника балетів «Дон Кіхот» і «Саламбо». Він відмовився від застарілих прийомів пантоміми, зробив дію більш чітким і більш динамічним, почав активно залучати до художнього оформлення своїх спектаклів відомих художників, зокрема К. Коровіна та О. Головіна. 
Справжнім авангардистом хореографічного мистецтва XX ст. став М. Фокін (1880-1942). Його творчість формувалась під безпосереднім впливом художнього доробку М. Петіпа та О. Горського. У той же час він шукав нові засоби виразності, удосконалював, а багато в чому видозмінював малюнок танцю, створював нові танцювальні форми. 
У постановках М. Фокіна «Єгипетські ночі», «Дафніс і Хлоя», «Петрушка» засяяли зірки російського балету А. Павлова, В. Ніжинський, Т. Карсавіна, О. 

Спесивцева. 
Саме з іменами цих представників мистецтва хореографії і пов'язаний тріумф всесвітньо-відомих «Російських сезонів» у Парижі, які були організовані видатним театральним діячем С. Дягілєва. 
Внесок дягілєвськіх сезонів у розвиток мистецтва світового балету важко переоцінити. Видатні художники того часу Р. Роллан, Ж.. Кок-то, О. Роден, П. Пікассо, К. Сен-сані були в захваті від цієї культурної акції. 
Дягілєвська сезони є яскравим прикладом міжвидового синтезу мистецтв - музики, хореографії та живопису, яка була зроблена можливою завдяки творчим пошукам художників О. Бенуа, Л. Бакста, В. Серова, М. Реріха; композитора І. Стравінського; хореографів М. Фокіна і Д . Баланчина. 
Аналізуючи феномен «Російських сезонів», необхідно чітко пам'ятати про важливе місце, яке посідав у контексті цього явища наш великий співвітчизник, провідний соліст трупи Дягілєва, видатний хореограф Серж (справжнє ім'я - Сергій Михайлович) Лифар (1905-1986). 
Серж Лифар танцював головні ролі практично у всіх балетах «Російських сезонів» - у «Бачення троянди», «Аполлон Мусагет», «Блудного сина», «Післяполуденному відпочинку фавна» тощо. Протягом багатьох років ім'я Сержа Лифаря було несправедливо забутим, але в червні 1994 р. в Києві відбувся І Міжнародний конкурс балету ім. Сержа Лифаря. З того часу він проводиться кожні два роки. Великий художник нарешті повернувся на батьківщину, від якої, до речі, ніколи не відмовлявся. Саме тому на могилі видатного майстра написано: «Серж Лифар з Києва». Отже, творчість цього блискучого художника слід інтерпретувати як загальноцивілізаційний фенюмен. 
Розквіт мистецтва балету другої половини XX ст. пов'язаний з іменами Г. Уланова, О. Лепешинська, Ю. Григоровича, М. Плісецької, Н. Безсмертнової, М. Лієпа, В. Васильєва, Є. Максимової, В. Чабукіані, Г. Нурієва, М. Барішнікова та ін 
Сьогодні розвиток балетного мистецтва України безпосередньо асоціюється з творчістю А. Шекери, В. Калиновської, В. Ковтуна, Т. Таякіної, А. Рубіної, В. Писарева та ін 
Аналізуючи мистецтво хореографії, слід зазначити, що воно представлене не лише класичним балетом, а й безпосередньо пов язане і з традиціями народного танцю, який відтворює у русі та пластиці специфіку національної самосвідомості (ансамбль танцю ім. П. Вірського). 
Яскрава сторінка у розвитку мистецтва народного танцю пов'язана з традиціями іспанської національної культури, зокрема з діяльністю хореографа і танцівника А. Гадеса, у творчості якого поєдналися мистецтво класичного балету та унікальне явище іспанської культури - мистецтво фламенко. 
Отже, мистецтво хореографії постійно розвивається і видозмінюється, адже мова пластики, мова танцю, яким володіють її провідні митці, завжди привертатиме увагу і викликати захоплення у глядачів усього світу. 

Розвиток хореографії в Україні

Вихід України на світовий культурний простір після проголошення Незалежності сприяв активному проникненню до країни великої кількості нових художніх форм, опанування, якими за радянських часів було неможливо в зв'язку з їх невідповідністю принципам соцреалізму. Тому нинішній розвиток сучасних форм хореографії, розширення сфери інтересів вітчизняних фахівців, завдяки вивченню більшого різноманіття їх стилів і видів відбувається під знаком інтеграції в галузі культури і мистецтв. Активна співпраця та обмін досвідом між українськими та зарубіжними фахівцями відкрили необмежені можливості для творчого пошуку, проте недостатня теоретична база, нечітке усвідомлення характерних ознак різних напрямків сучасної хореографії призвели до змішування різних за сутністю стилів та видів. У результаті утворилися нерегламентовані художні форми, які не можна було однозначно класифікувати. 
Наукові роботи стосовно даної проблематики проводились у дисертаційних дослідженнях з мистецтвознавства: Пастух В.В, Кохана Т.Г., Васільевоі Л.Л., Романенко В.І., Білаша П.М., Бернадскоі Д.П. У данних дослідженнях аналізувались і розглядалися окремі танцювальні форми модерністичного, імпресіоністичного танцю, музичні форми джазу, року, імпресіонізму, на вітчизняному тлі, а також балетмейстерське мистецтво в Україні початку ХХст. 
Перфоманс (Від англ performance - виступ, гра, виконання) - вид та сукупність різних постмодерністичного авторських виконань в сучасній хореографії американо-європейського походження. На сьогодні основою перфомансу є експеримент. Перфоманс також включає в себе певні техніки сучаснгої танцю і мистецтва - contraction & release, contactly improvisation, body art, пантоміму, рок-і поп-стилі, відео, кіно, новітні технології (світло, музику, піротехніку). Серед сучасних представників перфомансів можна виділити роботи та танцювальну техніку Піни Бауш, Тріши Браун, Стіва Пекстона, студії-трупи Г. Абрамова, М. Огрізкова, Н. Каспарова, Н. Агульнік, Л. Венедиктової. Важливо додати, що всі представники виду перфоманс постійно експериментують, створюючи нові авторські техніки, які поєднують, як професійні засоби танцю, так і аматорські. 
Модерн джаз (від фр. Modern і англ. Jazz) - вид і танцювальна система сучасної хореографії американо-європейського походження. На сьогодні модерн-джаз як танцювальна система поєднує в собі визначені сучасні техніки танцю: техніку М. Грехем - стиснення і розширення (contraction & release), техніку Д. Хамфрі та Х. Лимона - підйоми і падіння (suspend - recovery), техніку М . Каннінгема - спіралі та штопорні обертів (spiral, corkscrew turn), техніку К. Данхем, Дж. Коула, Г. Джордано, М. метокси, Р. Одумса, Б. Феліксдала - використання пози «колапсу», ізоляція і полицентром, поліритмія . мультиплікація, координація, імпульс і управління, побудова уроку з модерного джазу, який складається з розігріву (warm-up), ізоляції (isolation), партеру (par terre), адажіо (adagio), кросу (cross-moverments, jumps, turn) , комбінацій і імпровізацій (combination & improvisation). Термінологія англійська, французька. Отже, модерн-джаз активно застосовується як у сучасних балетних постановках (особливо в постнеокласіці, постмодерні, постмодернізмі та хіп-хопі), так і в системі професійної хореографічної освіти. Дан вигляд, як сучасна танцювальна дисципліна та предмет представлений у професійних вищих та середніх навчальних закладах культури і мистецтв з хореографічною спрямованістю, наприклад: Державна академія театрального мистецтва (ГІТІС), кафедра хореографії (Москва-Росія). Національний університет культури і мистецтв, кафедра сучасної хореографії, кафедра сучасної хореографії (Київ-Україна), Училище хореографічного мистецтва «КМУАТ», відділення класичної хореографії, відділення народної хореографії, відділення сучасного танцю (Київ-Україна). На сьогодні вид модерн джаз широко використовується в сучасних балетах М. Канінгема, М. Бежара, Б. Ейфмана, У. Форсайта, І. Кіліана, М. ЕККА, П. Бауш, П. Тейлора, Р. Брюса, Р. Рехвіашвілі. 
Імпровізація (від лат. Improvisus • раптовість, англ. Improvisation - імпровізація) - вид і танцювальна система сучасної хореографії американського походження. На сьогодні імпровізація у сучасній хореографії є ​​творчим актом митця у момент виконання, без попередньої підготовки, танцювальна фантазія на тему. Це головний чинник для всієї сучасної хореографії (модерн джаз, перфоманс, хіп-хоп, контемпорарі, постмодернізм, постмодерн, джаз, теп). Містить визначено сучасні танцювальні техніки - традиційну (tradition), дунканівську (Dunkan) • імпровізація від внутрішнього настрою, постмодерністичного (postmodernistic) - імпровізація Форсайта з контрпродуктивного експериментами, контактну імпровізацію (contactly improvisation) - імпровізація з партнером Пекстона, імпровізацію звільнення (deliverence) - імпровізація, вільна від законів та обмежень, яка передбачає миттєве застосування будь-якої танцювальної техніки чи пластики (модерн, джазу, буто, йоги, акробатика тощо). Термінологія англійська. Імпровізація та контактна імпровізація активно застосовуються у сучасному балеті, а також у системі професійної хореографічної освіти. Дан вигляд, як сучасна танцювальна дисципліна та предмет представлений у професійних вищих та середніх навчальних закладах культури і мистецтв з хореографічною спрямованістю, наприклад: Державна академія театрального мистецтва (ГІТІС), кафедра хореографії (Москва-Росія). Національний університет культури і мистецтв, кафедра сучасної хореографії, кафедра класичної хореографії (Київ-Україна), Училище хореографічного мистецтва «КМУАТ», відділення класичної хореографії, відділення народної хореографії, відділення сучасного танцю (Київ-Україна). На сьогодні вид імпровізація широко використовується в сучасних балетах М. Канінгема, М. Бежара, Б. Ейфмана, У. Форсайта, І. Кіліана, М. ЕККА, П. Бауш, П. Тейлора, Р. Брюса, Р. Рехвіашвілі. 
Контемпорарі (від англ. Contemporary і фр. Contemporain) - вид сучасної хореографії неокласичного напряму європейського походження. Саме причетність цього виду до неокласики і відповідає його другого назвою - контампорен. На сьогодні контемпорарі (контампорен) є сукупністю синтезованих авторських технік неокласичного спрямування (танцювальні лабораторії, студії, авторські та академічні театри Франції, Люксембурга, Великої Британії, Німеччини, Нідерландів, Данії), які містять фундамент класичного танцю (системи), неокласичні балетні прийоми, а також техніки, модерн джазу, імпровізацїі. Термінологія - головним чином, французька, другорядна - англійська. Урок складається з розігріву (warm-up), вправ близько верстата (exercises sur la barre), вправ на середині (exercises dance le centre), швидкої частини і стрибків (allegro & sautes), комбінацій (combinations). Важливим чинником у цьому виді є часте поєднання вправ на дрібну техніку і велику амплітуду, поєднання рухів par terre зі стрибками (petit et grand saute). Дан вигляд, як сучасна танцювальна дисципліна та предмет представлений у професійних вищих та середніх навчальних закладах культури і мистецтв з хореографічною спрямованістю, наприклад: Державна академія театрального мистецтва (ГІТІС), кафедра хореографії (Москва-Росія). Національний університет культури і мистецтв, кафедра класичної хореографії (Київ-Україна), Училище хореографічного мистецтва «КМУАТ», відділення класичної хореографії, відділення сучасного танцю (Київ-Україна). На сьогодні вид контемпорарі широко використовується в сучасних балетах М. Канінгема, М. Бежара, Б. Ейфмана, У. Форсайта, І. Кіліана, М. ЕККА, П. Бауш, П. Тейлора, Р. Брюса, Р. Рехвіашвілі. Отже, контемпорарі (контампорен) є сучасним видом та сукупністю авторських технік європейського походження, орієнтованих на класичний танець при застосуванні новітніх технологій сучасної хореографії. Представни даного виду є New-York City Ballet, English National Ballet, Grand D'Opera, І. Кіліан, Б. Ейфман, Д. Багуа та ін 
Хіп-хоп (від англ. Hip-hop - танцювальний варіант музики реп) - вид і танцювальна система авторських студійних технік масово популярного синтезованого танцю в сучасній хореографії американо-європейського походження. На сьогодні вид хіп-хоп поєднує різні стильові форми танцю • соул-фанк, джаз рок, хіп-хоп, диско, техно, хаус, брейк, чорний поп, особливістю яких є емоційна передача настрою музики та співу, а також висока віртуозність та динамічна виразність. Термінологія англійська; урок містить розігрів (warm-up) та комбінації (combinations). Дан вигляд, як сучасна танцювальна дисципліна та предмет представлений у професійних вищих та середніх навчальних закладах культури і мистецтв з хореографічною спрямованістю, наприклад: Державна академія театрального мистецтва (ГІТІС), кафедра хореографії (Москва-Росія). Національний університет культури і мистецтв, кафедра сучасної хореографії, кафедра класичної хореографії (Київ-Україна), Училище хореографічного мистецтва «КМУАТ», відділення класичної хореографії, відділення народної хореографії, відділення сучасного танцю (Київ-Україна). Також хіп хоп як професійний вид сучасної хореографії, активно розвивається, збагачується різними виразними засобами інших видів сучасної хореографії: модерн джазу, імпровізації, сьогоднішньої молодіжно-побутової, вулично танцювальної субкультури. Серед представників хіп-хопу • танцювальні групи поп-зірок і студії США, Великої Британії, Німеччини, Італії, Франції, танцювальна студія «А6» (Україна-Київ), а також російська група "Тодес" (танцгрупою ми називаємо так звані «шоу -балети »в шоу; балети є лише у балетному театрі • модерн балет, класичний балет тощо).